Dans cette séquence nous aborderons les Arts du langageà travers le genre de la chanson engagée sous ses multiples formes.
Notre problématique est : Par quels moyens la musique (et l’image) peuvent-elle mettre en valeur un texte engagé ?
à travers les domaines du Temps et du rythme, et de la forme.

Projet musical : They don’t really care about us(1995) extraite du double album “History” de Michaël Jackson (auteur-compositeur interprète américain né en 1958, mort en 2009).

Le contexte de la chanson : C’est une des chansons les plus controversées de l’artiste, qui fait suite aux accusations de pédophilie portées contre lui en 1993. Le texte dénonce le lynchage médiatique, qui touche à son expérience personnelle, mais aussi de façon plus générale toutes les formes de discrimination, notamment l’injustice, le racisme. Elle fait référence à des icônes de la compassion et de la lutte sociales à travers le Président Roosevelt et Martin Luther King.
La réception par le public fut assez houleuse : d’une part, les mots «Jew me, sue me» furent très mal perçus par la diaspora juive américaine, qui y virent une attaque raciste. D’autre part le premier comme le deuxième clip furent mal perçus par les gouvernements du pays de tournage, l’un montrant des violences policières et militaires, l’autre ne montrant que la misère et les favelas du Brésil. Cependant la chanson eut un impact sur ces sujets pour lesquels il y eut des efforts gouvernementaux pour améliorer les conditions de vie des personnes défavorisées.
Une déclaration de M.Jackson à la suite des attaques dans la presse : “L’idée que ces paroles soient considérées comme offensantes est extrêmement douloureux pour moi, et erroné. La chanson, en fait, fait allusion à la douleur du préjudice et de la haine, et se veut un moyen d’attirer l’attention sur les problèmes sociaux et politiques. Je suis la voix de ceux qui sont accusés et attaqués, la voix de tout un chacun. Je suis le skinhead, je suis le juif, je suis l’homme noir, je suis l’homme blanc. Je ne suis pas celui qui attaque…Je suis en colère et outragé d’avoir été si mal compris».
Le texte se présente comme une sorte de prêche, utilisant le champ lexical de la violence (Frappez-moi, cassez-moi, tuez-moi, etc). Cette violence verbale, lorsqu’on connaît le personnage, fait penser au mouvement culturel Hip-Hop (se défouler par la violence verbale pour mieux contrôler sa violence physique). Le passage incessant de «me»à«us», donne un caractère universel à ses propos, ce qui lui est arrivé pourrait arriver à chacun de nous.
La chanson est composée dans le mode de ré mineur, dans une mesure à 4 temps. Le tempo est assez rapide. Le rythme, extrêmement dynamique, crépite en background tout au long de la chanson, peut être une référence aux tams-tams africains (usage d’un ensemble de Batucada, rythmique héritée des esclaves du Brésil et tambours de guerre).
La mélodie est très simple, basée sur de petits intervalles (secondes, tierces) répétitifs qui laissent toute la place au texte. Par ailleurs elle est accompagnée assez discrètement au synthétiseur et à la guitare (en dehors des solos qui ne dépassent pas l’ambitus de tierce).
L’accompagnement par contre subit des variations dans son arrangement qui relancent l’ambiance malgré la simplicité de la mélodie.
La voix est chantée tout en étant très proche du cri guttural (snarling voice, littéralement voix qui grogne). En outre un choeur accentue les mots situés sur les contretemps (le 2ème mot de chaque vers) et entonne le refrain.
Il y a donc plusieurs plans sonores : le soliste, la 2e voix qui double les contretemps, un bruit de percussions corporelles (claps, frottements, beatbox), un contrechant sur la syllabe « ou » sur le refrain et les ponts, et les solos de guitare électrique qui classent cette chanson dans le style Pop-Rock. Des bruitages brutaux parsèment également la chanson.
A noter qu’au début de l’enregistrement, on entend des enfants (comme souvent chez Jackson) qui chantent le refrain avec des claps sur les contretemps, et une petite voix qui dit «Enough is enough of this garbage!» (En voilà assez de cette pourriture !), qui nous rappellent que des centaines d’enfants interviewés affirmèrent ne jamais avoir vu ou expérimenté de gestes déplacés de la part de l’artiste.

They_don_t_really_care_about_us_MJ ; They_don_t_really_care_about_us_part; 

Les clips : Spike Lee tourna un premier clip dans une prison, qui fut censuré en raison des images mettant en cause la violence policière, notamment contre les afro-américains. Michaël Jackson se présente comme un prisonnier, allégorie de la prison plus générale que peut représenter la société. On remarquera que dans ce clip, les prisonniers sont de toutes les couleurs, ainsi que les gardiens.

Voici le premier clip : 

Un deuxième clip fut alors préparé, tourné au Brésil, à Dona Marta, dans lequel on peut voir le groupe de percussionnistes Olodum (qui bénéficia grandement de ce tournage dans sa future carrière), dans une des favelas de Rio de Janeiro et à Salvador de Bahia. 1500 policiers et une cinquantaine de résidents assurèrent la sécurité face à l’afflux de curieux). Là encore, le gouvernement brésilien n’apprécia pas que l’on montre uniquement l’aspect miséreux du pays dans le clip, au regard du tourisme et juste avant les Jeux Olympiques de 2004. Le public, lui, trouva que cela mettait en valeur les difficultés du peuple et les manquements du gouvernement. De fait, suite au tournage, le quartier bénéficia d’aides du gouvernement.

Le deuxième clip :

L'instrumental : 

Une interprétation chorégraphique assez impressionnante dans une prison aux Philippines.
Avec insertion d’un passage de discours de Martin Luther King et de breaks avec bruitages et beatbox

Nous nous proposons, pour l’interprétation de cette chanson, d’enregistrer séparément tout l’accompagnement (beatbox, claps, contrechant des choeurs, 2e voix sur le couplet sur les contretemps) et de visualiser au fur et à mesure notre progression dans le logiciel Audacity.
Pour nous aider, j’ai trouvé une video intéressante d’un américain (DeStorm) qui réalise toutes les parties et les superpose. Cela permet de détailler (et pourquoi pas d’improviser), et surtout à mon sens, de se motiver !

Ecoutes:
J’ai choisi deux chansons les plus célèbres possibles dans ce domaine, dans la mesure où je voudrais que les élèves puissent trouver par eux-mêmes des chansons engagées pour les présenter en binômes à l’oral.

Première chanson : La chanson de Craonne
Je suis mise d’accord avec mon collègue d’Histoire sur La chanson de Craonne, révélée par Paul Vaillant-Couturier (1892-1937) sous le titre de «Chanson de Lorette » dont le texte est anonyme. Le contexte est la Guerre de 14-18 et plus particulièrement l’offensive de Nivelle au Chemin des Dames en 1917, qui causa la mort de milliers de soldats et déclencha un début de mutinerie parmi ceux-ci, sévèrement réprimé par le gouvernement (une cinquantaine de soldats furent fusillés sur les ordres de Pétain).
J’ai choisi l’interprétation de Marc Ogeret (Album Chansons de révolte et d’espoir, 1974) La chanson fut censurée et il était interdit de la fredonner ou de la chanter sous peine de passer devant la Cour Martiale (tribunal militaire).
Le contraste entre le caractère nostalgique et léger de la mélodie et le texte sombre et révolté s’explique parle fait que la mélodie est un timbre empruntéà une chanson populaire de l’époque : «Bonsoir mamour» de Charles Sablon (1871-1928).
Le texte évoque l’évolution des sentiments des soldats dans cette guerre : le découragement, l’ironie, l’amertume, le sentiment d’injustice (les soldats d'un côté et les riches qui dirigent de loin de l'autre), l’appel à la révolte.
La musique est une sorte de valse de tempo modéré, qui nous renvoie aux bals auxquels les soldats repensent avec nostalgie, lorsqu’ils reviennent de permission. Le mode majeur contribue à une atmosphère douce, feutrée, troublée sur la fin de chaque couplet par un intervalle de tierce mineure qui provoque un effet de gorge nouée (et pour cela, nous l’interprèterons en majeur et en mineur pour bien ressentir la différence).
Un accordéon, instrument populaire accompagne la chanson, il double la mélodie du refrain et joue des contrechants sur le couplet. Une ritournelle s’intercale entre chaque couplet, et dans la coda, il fait entendre une dernière fois la mélodie du refrain en diminuendo.
La chanson est de forme rondo, mais un deuxième texte est associé au refrain après le troisième couplet.

L'interprétation de Marc Ogeret

Une video documentaire pour en savoir plus sur cette bataille.

Un lien à consulter sur le Portail du Chemin des Dames. 
Le titre de l'oeuvre(eau-forte) est "Soldat blessé" d'Otto Dix (1916)

Deuxième chanson :

Sunday bloody Sunday, extraite de l’album "War" de U2, groupe de rock irlandais qui a commencé sa carrière en 1976.
A partir du milieu des années 80, le groupe s’est engagé dans la cause des Droits de l’Homme. War est le 3ème album du groupe, sorti en 1983, qui a assis sa notoriété sur la scène internationale. Dans cet album le groupe prend position sur des sujets politiques, notamment dans cette chanson, à propos du conflit Nord-Irlandais.
La chanson est un hommage à l’événement survenu à Derry en 1972, appelé«Bloody Sunday». Ce jour-là, au cours d’une marche organisée par Ivan Cooper, pour réclamer le respect des droits civiques des catholiques en Irlande du Nord, et protester contre la discrimination des pouvoirs locaux contre ceux-ci, 19 manifestants pacifiques furent tués par les tirs de l’armée britannique.
Le groupe avait conscience que la chanson pourrait être mal interprétée, voire leur valoir de sérieux ennuis. Certains auditeurs pensèrent en effet qu’ils glorifiaient cet événement. D’autres accusèrent les membres du groupe d’être des révolutionnaires proches de l’IRA. Toutefois l' album reçut toutefois de bonnes critiques dans la presse.

Le texte, plutôt universel, appelle à la réflexion tout en déplorant la violence. Après la stupeur ressentie par le chanteur en voyant les nouvelles à la télé, le chanteur Bono décrit dans le 2ème couplet la scène de bataille, et exprime sa colère. Le 3e couplet est une critique des medias qui banalisent les scènes de violence.
Au fur et à mesure les paroles s’orientent vers une allusion à la religion (L’évangile selon Matthieu et la première Epître aux Corinthiens). La chanson se termine par «le vrai combat a débuté pour clamer la victoire que Jesus a emportée, un dimanche sanglant». Par cette phrase l’auteur semble appeler les parties respectives à se réconcilier en tant que parti religieux et à cesser la violence.
Au point de vue de la musique, la chanson est écrite dans un Tempo rapide et une mesure à 4 temps. Une introduction à la batterie et les contretemps marqués à la claisse-claire au donnent au rythme l’allure d’un tambour militaire. Le groupe emploie une boîte à rythmes, nouvel instrument en vogue au début des années 80. La guitare joue des arpèges puis un riff sur les accords sib mineur-Réb majeur-solb majeur. Cette progression donne l’impression de quelque chose qui avance inexorablement.
Dans le 2e couplet le violon électrique joue des contrechants, la guitare renforce le riff. Un passage en majeur sur les mots «How long» ainsi que le pont («sèche tes larmes») apportent une note d’espoir.
Après le second couplet un solo de guitare rappelle la musique irlandaise par l’utilisation d’un bourdon réalisé avec les cordes à vide (effet de résonance à la façon de la cornemuse Le refrain est plus détendu que les couplets (sans caisse claire et guitare). Il est chantéà 2 voix en tuilage ou en imitation avec les passages précédents. La basse suit alors un schéma descendant.
Le 3e couplet et le refrain sont superposés. Le violon électrique est présent sur tout le 3e couplet en doublure.
La chanson est de forme rondo (couplets et refrain avec un pont entre le 2e et 3e couplets).
Après les événements de Derry, de nombreux jeunes irlandais rejoignirent l’IRA et l’INLA, dégoûtés que les parachutistes britanniques n’aient pas été inquiétés pour la mort de manifestants pacifiques.
Si cette chanson indémodable est toujours appréciée, c’est probablement parce qu’elle aborde un sujet universel : L’injustice et les violences de la part du pouvoir sur le peuple, la discrimination, les guerres (notamment civiles), les morts inutiles que cela provoque, et les abus fréquents d’images de violence banalisées de la part des medias qui couvrent les conflits.
En 1994, la chanson «Zombie» des Cranberries, autre groupe irlandais, fera allusion au même conflit avec un clip qui contient également à une référence religieuse : «Le Martyre de la Saint-Sébastien».

Une video avec images issues du film du même nom et les paroles : 

Une video avec des images de l’événement : 

La_chanson_de_Craonne_prof ; La_chanson_de_Craonne_eleve ; 
Sunday_bloody_sunday_U2_prof ; Sunday_bloody_sunday_U2_eleve ; 

Voici le travail à réaliser en binômes :
Choisir une chanson engagée.
Réaliser une fiche en respectant les parties à renseigner (contexte, analyse du texte, du rapport texte/musique, de la musique, etc).
Voir exemple ici : chanson_engag_e_comparaisons ; 
Mémoriser le plan d'analyse.
Présenter la chanson à l’oral (5 minutes).
Prévoir un support audio de 30 sec ou un lien web avec minutage à fournir.
Bon travail!

La fiche de synthèse de la séquence. 

synthese_3s4

Enregistrement des 3èmes A

Cette séquence est empruntée au site d’éducation musicale de l’Académie de Besançon, dont Dominique Goillot coordonne l’équipe du Giptic. J’ai rencontré l’équipe des TraAm d’éducation musicale en début d’année scolaire, les professeurs se sont répartis en binômes, chacun étant chargé de tester la séquence d’une autre personne, orientée vers la pratique des Ticce, et fera un bilan à la rentrée prochaine des résultats obtenus.
Nous nous intéresserons à présent à la question de la musique et du métissage culturel, nous nous poserons la question suivante : Comment une œuvre peut-elle évoquer la culture d’un pays : le Brésil ?à travers les domaines du Timbre et de l’espace, du temps et du rythme, et quelques éléments concernant la dynamique.

Projet musical:

Bahia (1979) de Georges Moustaki (album Moustaki), chanteur français d'origine grecque né en 1934.

Cette chanson de forme rondo comporte 4 couplets et un refrain chantés à l’octave par le soliste et les choeurs. La coda est une phrase répétée àd libitum à 2 voix. Le rythme de la mélodie, en croches régulières, va nous permettre de dynamiser cette chanson avec des lignes de percussions pour la rendre plus proche des chansons du Carnaval brésilien. D’autre part elle demande un travail vocal spécifique pour rendre le phrasé particulier de la langue portugaise et respecter le style de la Bossa Nova.
Au point de vue des Ticce, 3 cellules rythmiques seront prêtes à l’importation dans le logiciel Audacity, afin que les élèves puissent réaliser leur propre arrangement pour accompagner la chanson. Bien sûr, rien ne nous empêche d’utiliser nos propres cellules et de les enregistrer en classe lors de notre expérimentation avec les percussions.

Les paroles en français et en portugais : Bahia_Moustaki_eleve; 

La partition : Bahia_Moustaki ; 

La video d'un concert de G. Moustaki avec Marta Contreras (chanteuse chilienne).

Pour alimenter notre travail, nous allons aborder des oeuvres musicales typiques de la musique brésilienne, aussi bien qu’écouter des oeuvres de compositeurs de musique savante et populaire qui ont voyagé au brésil ou qui sont eux-mêmes Brésiliens.

Œuvre principale: Fanfarra, composée en 1992 par Sergio Mendes, pianiste, compositeur, chef d’orchestre, arrangeur et producteur né au Brésil en 1941.

Dans cette œuvre nous nous découvrirons l’orchestre de Batucada et les instruments à percussion qui le composent. Nous repèrerons un procédé d’écriture (écriture responsoriale : un soliste lance un appel, un groupe de percussionnistes lui répond, soit la même phrase, soit une autre phrase).
Nous relèverons dans un tableau les réponses faites au soliste et les noterons.
Nous ferons aussi le plan (nombre de parties, disposition des voix, ordre d’intervention) du morceau. Fanfarra est composé pour voix, guitares et percussions.
La Batucada est issue du mélange des 3 cultures du brésil : africaine, indienne et portugaise. C’est un sous-genre de la Samba. Le nom vient du battement incessant des percussions. Elle tient une place importante au cœur des écoles de Samba de Rio de Janeiro, assurant la partie rythmique de leurs compositions. Pendant le défilé du carnaval annuel, les écoles de samba rivalisent dans les concours qui les opposent. Cependant on peut les entendre jouer partout, dans toutes les fêtes, les matches de foot, les cafés.

Les paroles de cette chanson

Les documents : Fiche_prof_1 ; Fiche_eleve_1

Video avec la musique

Extrait de la Batucada avec pas de samba et boas

Œuvres comparatives :

Sumareextrait des Saudade do Brasil opus 67, composées en 1920 par Darius Milhaud, compositeur français de la période moderne (1892-1974).
Il s’agit d’une Suite de 12 danses pour piano composées entre 1919 et 1921 après un séjour de Milhaud en Amérique latine (en 1917-1918). Les danses sont généralement composées sur un rythme à deux temps de Tango ou de Samba.
Les noms donnés aux pièces sont ceux des quartiers de Rio de Janeiro ou de villes du Brésil.
Darius Milhaud a fait plus tard une transcription de ces pièces pour orchestre symphonique.
Saudade est un mot brésilien intraduisible, qui pourrait trouver son équivalent dans le Blues, la nostalgie, les états d’âme.
Cette danse évoque le Brésil par les rythmes choisis (des rythmes syncopés).
Le compositeur lui a donné la forme Lied en 3 parties (forme ABA’).

Sumare interprétée par Darius Milhaud lui-même au piano : 

Eu Vim da Bahiade Joao Gilberto et Stan Getz. Ce morceau est dans le style de la Bossa Nova, courant musical apparu au Brésil à la fin des années 50, qui est un mélange de Samba et de Cool Jazz.
Joao Gilberto, musicien brésilien né en 1931, est le principal créateur de ce style. En 1962, la Bossa Nova intéresse les musiciens américains, Joao Gilberto rencontre alors Stan Getz, jazzman américain célèbre (1927-1991) qui joue du saxophone ténor, et ils produisent ensemble un album : Getz/Gilberto, qui aura un succès immense.
Dans ce morceau la voix de Joao Gilberto est accompagnée par la guitare, la contrebasse, le piano et des percussions telles que le bongo. Le saxophone, lui, assure les solos, la batterie (balais sur cymbales) s’ajoutant au reste de l’ensemble instrumental. Dans cette musique aussi, le rythme syncopé apporte une couleur paisible et chaloupée qui s’accorde bien avec le Cool Jazz .

Les paroles de cette chanson : 

Ecouter :

O trenzinho do caipira(Le petit train de Caïpira), une toccataextraite de la 2ème Suite pour orchestre (Bacchanas Brasilieras), composée en 1930 par Heitor Villa-Lobos, compositeur brésilien (1887-1959).
Cette œuvre de musique savante évoque le parcours d’un train dans la campagne brésilienne, en jouant sur le départ au ralenti, l’accélération, et le ralentissement à son arrivée. Dans cet orchestre on peut entendre le marimba, sorte de xylophone qui est un mélange du balafon africain et d’instruments pré-colombiens.
Ce morceau représente bien le métissage, avec sa mélodie folklorique brésilienne aux rythmes syncopés et son orchestration savante.

L’œuvre interprétée par l’orchestre symphonique de Londres sous la direction d' Eugene Goossens.

Dans le même style que Sumare de Milhaud, nous écouterons aussi Brazilieiraextraite de sa Suite Scaramouche pour 2 pianos (c'est le 3ème mouvement), dans lequel nous retrouverons ce rythme caractéristique, mais cette fois dans un tempo vif.

L’extrait interprété par Marta Argerich et Nelson Freire

Les documents : Fiche_prof_2 ; Fiche_eleve_2

Des travaux de recherche seront proposés aux élèves en début de séquence autour de la chanson Bahia de Georges Moustaki.
Un mini dossier Histoire des arts (4 sujets au choix)
devra être rendu à la fin de la séquence que nous conserverons dans le classeur de musique.

le document : eleve_recherches_auto_evaluation

La fiche de synthèse de cette séquence : fiche_synthese_4s4

Dans cette 4e séquence, nous abordons le thème de l’apport des voyages dans la création musicale des compositeurs de périodes chronologiques proches. A la fin du XIXe et au début du XXe siècle, divers courants artistiques sont apparus comme l’orentalisme et l’exotisme. Les artistes qui avaient entrepris des voyages pour élargir leur horizon ont ainsi exprimé leurs impressions, partagé leurs souvenirs, la rencontre avec une autre culture, et réalisé des carnets de voyages picturaux, littéraires, musicaux qu’ils ont partagéà travers leurs œuvres.

La question transversale de notre séquence est Musique, fonctions et circonstances.
Notre objet d’étude sera : Comment un compositeur peut-il exprimer ses impressions de voyage ?
Nous travaillerons particulièrement dans les domaines de la dynamique et de la forme. A cette occasion, nous verrons ou reverrons le vocabulaire des nuances, des modes de jeu, divers genres symphoniques, quelques formes musicales, et la notion d’instrumentation et d’orchestration.

Projet musical : Englishman in New York de Sting. (Sting est un chanteur britannique né en 1951 qui a été chanteur et bassiste du groupe The Police dans les années 80, qui jouait une musique mélangeant rock, punk, jazz et reggae).

La chanson parle de l’écrivain et acteur excentrique Quentin Crisp, personnage anglais haut en couleurs émigréà New York dont le message est :

« Soyez vous-même, peu importe ce qu’ils disent».

J’ai choisi cette chanson parce que l’accompagnement, extrêmement soigné, est fait d’éléments qui sont rattachés à notre étude : Variations de nuances entre le couplet, le refrain et le pont, jeu staccato des cordes sur les contretemps, polyphonie sur le refrain (chant à la tierce), structure Blues, solo de saxophone qui renvoie au Jazz puis de batterie qui renvoie à une musique de style plus martial, utilisation des syncopes qui donne un côté insouciant et léger à la mélodie, et le thème de la chanson. Tout dans cet accompagnement oppose la rigidité de l’opinion publique contre les minorités différentes à la liberté que peut représenter l’anonymat, l’étranger.

Englishman_in_New_York_Sting_lyrics; Englishman_in_New_York_Sting_part_musescore; 

Voici le clip officiel de la chanson dans lequel on aperçoit Quentin Crisp (la chanson fait partie de la BO du film du même nom).

La video avec les lyrics :

et le karaoke pour s'entraîner!

Ecoute principale: An American in Paris, composée en 1928 par George Gershwin, compositeur américain de la période moderne né en 1898 et mort en 1937.
Le genre : c’est un Poème symphonique, œuvre instrumentale destinée à l’orchestre en un seul mouvement qui suit une idée, un texte, une histoire. Il y a à la fois un côté descriptif et narratif.
Le compositeur a écrit un petit texte dans lequel il dépeint un américain visitant la capitale, et selon ce qu’il ressent, ce qu’il voit et entend, la musique traduit tout cela musicalement. Gershwin avait fait auparavant un voyage à Paris où il avait rencontré ses idoles, les compositeurs français dont Ravel. Lui ayant demandé des conseils dans le domaine de la composition, il se vit répondre qu’il n’avait rien à apprendre. Cependant on ressent dans sa musique l’influence des français, mais aussi de Stravinsky par la richesse des couleurs orchestrales, l’utilisation des masses sonores de l’orchestre et le métissage savamment orchestré de styles différents.
Bien qu’il y ait un seul mouvement, le poème symphonique est découpé en trois parties principales. Nous écouterons le début de la première partie, qui évoque le promeneur dans la circulation parisienne.
Dans ce passage les contrastes de nuances sont constants, et l’on entend tour à tour le thème de la marche du promeneur, une petite phrase au caractère insouciant jouée staccato par les violons, avec un ornement (une appogiature) dynamisant. Elle sera reprise plusieurs fois, entrecoupée d’autres thèmes, et d’un motif amusant joué par des klaxons de voiture.
Nous dessinerons un musicogramme pour visualiser le plan de ces premières minutes de l’œuvre. Un peu plus loin dans l’œuvre, Gershwin imagine que le promeneur a soudain le mal du pays. Il choisit alors de nous le suggérer par un autre thème, une musique typiquement américaine, de style Blues, qu’ il confie à la trompette munie d’une sourdine. Il l’habille d’un accompagnement aux cordes (jeu pizzicato) et aux cuivres (jeu staccato). Vers la fin du mouvement, nous retrouverons ces deux thèmes ou des fragments de ceux-ci, tour à tour alternés et superposés. L’accompagnement, plus fourni par la présence de cuivres et de percussions, rappelle les Big Bands, orchestres de jazz américains.

Gershwinprof_1; Gershwin_eleve_1

Voici la video de l’œuvre de Gershwin, interprétée par l’orchestre philharmonique de New York sous la direction de Lorin Maazel.

Pour écouter séparément le thème du Blues :

Oeuvres comparatives:
Pour ce travail je vous demanderai de dresser un tableau des ressemblances et différences, de deviner dans quel pays ou continent le compositeur a séjourné. Nous comparerons essentiellement la dynamique et la forme de ces œuvres par rapport à celle de Gershwin. Vous rédigerez ensuite un résumé final pour comparer ces pièces musicales à notre oeuvre principale.

Première comparaison :

Le 2ème mouvement de la Symphonie du Nouveau Monde, composée en 1893 par Anton Dvorak (1841-1904), compositeur tchèque de la période romantique. Dvorak Dvořák compose cette œuvre lors de son séjour en Amérique, alors qu’il est directeur du conservatoire de New York. Intéressé par la musique du pays (celle des indiens, des afro-américains), il emprunte des poèmes extraits de «La légende de Hiawatha» de Longfellow, auteur américain. 

Au cours de ce mouvement, nous serons à la fois plongés dans les plaines du Far West, à travers un thème joué par le cor anglais, et dans le syle du pays d'origine de Dvorak à travers un air de danse slave joué par le hautbois.
Chaque mélodie est caractérisée par un jeu différent (l’une legato, l’autre staccato) qui contribue à leur donner leur caractère respectif (nostalgique puis pastorale). Ce genre, bien que symphonique, est plus conventionnel.
La symphonie telle que définie à l’époque classique est une œuvre divisée en 4 mouvements de tempo différent, le 2e mouvement étant généralement de tempo lent, bâti sur la forme ABA’.

Voici le 2ème mouvement de la symphonie interprété par l’orchestre philharmonique de Dublin sous la direction de Derek Gleeson

Deuxième comparaison :

Tunis-Nefta, extrait d’Escales, Suite symphonique en 3 mouvements composée entre 1920 et 1922 par Jacques Ibert (1890-1962), compositeur français de la période moderne. En ce qui concerne le genre de la Suite symphonique, sa particularité est que l’on peut jouer ces pièces séparément, bien qu’elles soient réunies dans un recueil.
L’œuvre a été composée à la suite d’un voyage en Mediterranée, alors que le compositeur séjournait à la Villa Médicis, à Rome, en Italie. Il obtint d’ailleurs le Grand Prix de Rome en 1919.
L’escale en Tunisie est suggérée par une mélodie à caractère oriental (basée sur un mode arabe) interprétée par le hautbois, ce qui lui donne un caractère sensuel et hypnotique. Nous avons ici un contraste entre la phrase liée jouée lentement dans une nuance piano au hautbois, et l’accompagnement des cordes en pizzicato.
Le compositeur a choisi aussi une forme en tryptique ABA’, la partie B étant un peu plus animée (passage crescendo puis retour à la première partie). Cette musique évoque le dépaysement à travers le chant des bédouins, le mystère, les pas des chameaux dans le désert qui s’éloignent. Et bien que nous soyons dans une mesure à 3 temps, le caractère parfois improvisé de l’ensemble nous fait perdre le rythme à certains moments.

L’œuvre est ici interprétée par l’orchestre des Concerts Lamoureux sous la direction de Yutaka sado.

Troisième comparaison:

España, Rapsodie pour orchestre composée en 1893 par Emmanuel Chabrier (1841-1894), compositeur français de la période romantique. La Rapsodie, tout comme la fantaisie pour orchestre, a pour particularité d’être plus libre dans sa forme que la symphonie, et d’utiliser des thèmes nationaux, caractéristiques d’un pays.
Cette œuvre fut composée au retour d’un voyage en Espagne, Chabrier avait été charmé par les musiques entendues dans ce pays et avait relevé certaines mélodies.
Le compositeur ici utilise des thèmes de célèbres danses espagnoles : celui de la Jota aragonaise, au caractère vif et brillant, accompagné par un battement incessant de percussions, et celui de la Malaguena, accompagné par les cordes et les cuivres qui s’opposent, au caractère langoureux et sensuel.

Voici l’oeuvre de Chabrier interprété par l’orchestre philharmonique du Centre artistique Européen et de l’opéra de Podlasie
(région du Nord-est de la Pologne) sous la direction de Marcin Nałęcz-Niesiołowski.

Dvorak_Ibert_prof_2 ; 
Dvorak_Ibert_eleve_2 ; 

HISTOIRE DES ARTS
A vous maintenant de faire une recherche personnelle sur une oeuvre de votre choix dans laquelle un artiste, quel que soit son support, suit le même procédé avec le même but : nous ramener des impressions, des émotions, des souvenirs et les partager avec son public.
Quelques exemples : Paul Gauguin, Henri Matisse et la polynésie, Paul Klee, Vassili Kandinsky, August Macke et la Tunisie, Alphonse de Lamartine et Gérard de Nerval et l’Orient, Darius Milhaud et le brésil, Jacques Brel et les îles Marquises…

Rassemblez ce que vous pourrez trouver en vous aidant des fiches du cours pour votre présentation. Ne recopiez pas des pages entières, allez à l’essentiel, ce que l’on peut mémoriser. Vous pouvez préparer votre fiche sur l’ordinateur et l’imprimer ou bien l’écrire et vous la conserverez dans votre classeur.

Fiche synthèse de la séquence
synthese_5s4

Fiche auto-évaluation de l'élève
Auto_evaluation_5s4

Enregistrements en classe

5ème A

5ème E

 Dans notre 4ème séquence nous allons aborder la musique descriptive, c’est-à-dire lorsque la musique s’efforce par exemple de décrire un paysage, un personnage, mais aussi des sentiments, des émotions, qui se passent de la parole. 

Notre question d’étude sera : Comment la dynamique peut-elle renforcer l’évocation, la description d’images par la musique ?
Les impressions que l’on ressent face à l’audition d’une œuvre musicale sont personnelles, suggestives, surtout lorsqu’on ne connaît pas l’œuvre, encore moins les codes du langage musical. Comment alors analyser, échanger autour de ce que l’on a écouté ? Il faudra bien définir et comprendre un langage commun pour partager ses impressions. C’est le but de notre travail dans cette séquence.
Avoir des connaissances dans le domaine de l’histoire de la musique, en ce qui concerne la chronologie, peut permettre de trouver des références et donc de comparer des œuvres similaires à des époques différentes.
C’est pourquoi j’ai choisi des œuvres de trois compositeurs de périodes et de provenance géographique éloignées les unes des autres : Vivaldi, Beethoven, et Crumb.
Nos domaines d’investigation sont la Dynamique (sous ce vaste terme on désigne les nuances que peut prendre le son, du moins fort au plus fort, et les divers modes de jeu, c’est-à-dire la façon particulière de faire sonner son instrument).
Nous verrons aussi le domaine de la Forme : le plan, le schéma, la structure d’une pièce musicale, mais aussi la notion de thème (une mélodie que l’on repère et peut mémoriser, chanter) qui bien souvent décide de la structure de l’œuvre.

Projet musical : L’orange de Gilbert Bécaud, chanteur, compositeur et pianiste français (1927-2001) qui a été reprise par la Star Academy 3. Cette chanson a été composée en 1964 sur des paroles de Pierre Delanoë. Les années 60 furent marquées par la vague Yéyé dont Bécaud devint l’une des stars.

Pour la petite histoire, la genèse de cette chanson: Bécaud et moi sommes assis face à face dans cette même cabane, et il me lance: "Je fais l'Olympia dans quinze jours. Tu n'as rien en magasin?" Moi: "Non, rien." Il me rétorque: "C'est pas compliqué: dis-moi le premier mot qui te passe par la tête.""Orange..." A partir de là, cette orange, on n'allait pas la cueillir ni la vendre ou l'éplucher. En revanche, le vol introduisait une dimension dramatique. Le côté antiraciste de la chanson est venu naturellement. (propos de Pierre Delanoë recueillis par Gilles Medioni trouvés sur le site de l'Express).

A noter que la chanson a été intégrée sous forme de citation dans le film « Toute une vie » de Claude Lelouch en 1974.

Dans cette chanson il y a un soliste principal (qui utilise sa voix parlée quasi improvisée puis chantée). Il y a aussi un chœur qui chante une phrase en ostinato (tu as volé) dont les membres ont chacun une phrase en solo à chanter. Lorsque le soliste chante, le chœur chante un contrechant en ostinato (une petite phrase descendante sur la syllabe « ouh »). Il y a aussi une partie d’accompagnement en beatbox (un ostinato qui fait toum – kapumka trois fois puis après un silence termine par tchikitita !) Nous allons travailler toutes ces parties, et enregistrer la chanson cette fois par couches sonores pour ensuite les visualiser dans le logiciel Audacity. Ainsi nous pourrons jouer sur les nuances pour équilibrer l’ensemble au niveau des nuances et des accentuations et peaufiner notre projet.

Voici la version de Gilbert Bécaud, beaucoup plus Swinguée que celle de la Star Academy.

Le clip de la Star Academy :

La video avec les paroles : 

Les paroles et la partition que j'ai relevée : l_orange__Becaud_paroles ; l_orange_B_caud_partition

Ecoute principale : Le Concerto “Le Printemps” issu des “Quatre Saisons” d’Antonio Vivaldi, compositeur italien de la période baroque né en 1678, mort en 1741) composé en 1725.
Antonio Vivaldi, outre son métier de compositeur, était prêtre, c’est pourquoi on le surnommait «Le prêtre roux».
Les Quatre Saisons est une œuvre comprenant quatre concertos, dont chacun est consacréà une saison.
Chacun des concertos est composéà partir d’un poème du compositeur , un sonnet dont la musique va s’attacher à décrire le contenu musicalement.
Chaque concerto est construit sur la même structure : 3 parties (en musique on dit « mouvements » parce que chacune a un tempo différent.
Le 1er mouvement est rapide (Allegro), le 2ème plus ou moins lent (Largo, Adagio, ou Andante), le 3ème rapide ou très rapide (Allegro, Vivace).

Les Concertos sont destinés à une formation d’orchestre à cordes (il comprend uniquement des instruments à cordes de l’aigu au grave : le violon, l’alto, le violoncelle, la contrebasse) et un clavecin (instrument à cordes pincées qui ressemble à un piano).
Dans un Concerto de soliste, le soliste est bien souvent debout sur la scène (selon l’instrument bien entendu) et dialogue avec un orchestre symphonique, dirigé par le chef d’orchestre.
Dans un Concerto Grosso, le ou les solistes dirigent eux-mêmes un orchestre plus réduit (que l’on nomme aussi orchestre de chambre).

Voici le concerto "Le Printemps" interprété par Gidon Cremer avec le English Chamber Orchestra :

Nous écouterons le 1er mouvement de ce Concerto. Il est de forme Rondo (comme dans certaines chansons, il y a un refrain qui s’intercale entre des couplets successifs, ici il y en a 4).
Entraînez-vous à le chanter, à lever la main à chaque fois que vous le retrouvez.
En imitant les gestes d’un chef d’orchestre dirigeant cette œuvre, vous remarquerez peut-être que la répétition du thème amène un changement de nuance, le son est plus doux la 2ème fois. La première fois le thème est joué dans la nuance Forte, la 2e fois dans la nuance piano. Ce procédé est caractéristique de ce style de musique.
On remarque aussi les différentes façons dont l’archet frotte les cordes. Quelquefois le son est lié avec un long coup d’archet (jeu legato), et d’autres fois le son est détaché, haché, avec un coup d’archet plus court (jeu staccato). Le phrasé aide ainsi àévoquer les différents aspects du Printemps (les oiseaux, la fontaine, etc).
Pour symboliser le chant des oiseaux, le compositeur utilise des trilles (allers retours rapides sur deux notes) et les broderies (allers-retours rapides au-dessus et en dessous d’une note).
D’autre part il existe diverses façons d’utiliser l’instrument :
par exemple jouer avec les doigts sans l’archet (pizzicato), jouer avec un archet très court plusieurs fois de suite la même note, avec un son tremblé (tremolo), glisser sur la touche - la partie noire où l’on pose les doigts de la main gauche (Glissando). Il en existe encore d’autres.
Nous ferons un zoom sur le 3e couplet du mouvement (passage évoquant l’orage, les éclairs, le tonnerre).
En 2 groupes, nous allons faire lever un groupe qui symbolisera les éclairs (arpèges nerveux dans l'aigu), alterné avec un autre qui symbolisera le tonnerre (les tremolos). Nous remarquerons alors que le soliste joue en dialogue avec l’orchestre (le Tutti).

Œuvres comparatives:
Nous allons d’abord comparer le 1er mouvement du Printemps avec le 2ème mouvement d’un autre concerto des Quatre Saisons : "L'Hiver". Il se situe à 3’50 dans la video.

Voici l'interprétation d'Itzhak Perlman avec le philharmonique de New York :

Comme vous pouvez le constater, le violoniste joue ici assis (il faut dire que le violoniste est hanicapé, car d'autres jouent ce concerto debout).
Pour évoquer la neige, le compositeur a imaginé que les violonistes pinceraient les cordes de leur instrument avec les doigts (jeu pizzicato). Ce mouvement, de tempo lent, est joué dans la nuance piano tout le long. Le trille, utilisé plusieurs fois, à la fin des phrases, pourrait aussi bien représenter le froid que le feu de la cheminée.

Nous comparerons ensuite le 1er mouvement du Printemps avec le 4ème mouvement («Orage »)de la Symphonie n°6 dite «Pastorale» op 68 en Fa Majeur de Ludwig van Beethoven, compositeur allemand de la période Classique, né en 1770 et mort en 1827.

Voici l'interprétation de ce mouvement par l'Orchestre philharmonique de radio-France, sous la direction de Stephan Aubé
(enregistrement figurant dans le DVD "Les clefs de l'orchestre" de Jean-François Zygel).

Si vous voulez suivre avec la partition, cliquez ici.

Ici l’orage, la tempête est représentée par un tempo rapide, de forts contrastes de nuances (on passe de pianissimoàfortissimo, par des crescendos et decrescendos impressionnants). En ce qui concerne les modes de jeu, la pluie est évoquée par le jeu pizzicato dans l’aigu des violons, le tonnerre par les roulements des timbales et le vent violent qui secoue les arbres par des tremolos des cordes graves. Le compositeur utilise aussi de forts accents qui nous font sursauter.

Pour terminer, nous comparerons avec «Archeozoic», un extrait d’une œuvre contemporaine : «Vox Balaenae» (ou Voice of the Whale, qui signifie La voix de la baleine) composée en 1971 par George Crumb, compositeur américain né en 1929).

Dans cette oeuvre nous remarquerons qu’il n’y a pas de tempo identifiable (ce que l’on nomme le “temps lisse”), que la nuance est très faible (pianissimo), et nous retrouverons l’évocation de la nature, ici du monde océanique et de la voix des baleines par des modes de jeux inhabituels des instruments (un trio flûte traversière, violoncelle et piano).
On reconnaît l’emploi du glissando (action de glisser sur la touche du violoncelle), et des harmoniques (action de poser un doigt sur une corde sans appuyer, qui produit des sons suraigus).
On peut voir que cette œuvre a été composée lors de la période contemporaine, d’une part parce qu’il y a une projection sur grand écran derrière les musiciens, d’autre part parce que la mise en scène est originale (les musiciens sont plongés dans le noir et portent des masques, pour mieux ressentir l'atmosphère du monde sous-marin).

Fiche_prof_1; Fiche_eleve_1; Fiche_eleve_1_compl_t_e; 

Pour bien réussir votre contrôle, Vous devez savoir définir :
Le genre du concerto.
Le vocabulaire des nuances (mots en italien).
La forme rondo.
Vous devez savoir décrire : les modes de jeu des cordes frottées.
Vous devez pouvoir reconnaître : Des modes de jeu , Le genre et la forme d’une œuvre inconnue à l’audition .
Et l’’évolution de la dynamique (nuances) dans un extrait inconnu.

Controle_eleve

Un bonus : une évocation de l'orage réalisée par un chœur mixte. Prenons exemple…

HISTOIRE DES ARTS

Les Quatre Saisons, peinture datée de 1573 de Giuseppe Arcimboldo, peintre maniériste italien (1527-1593).

La fiche avec l'analyse des tableaux :HDA_saisons

La fiche de synthèse de la séquence : synthese_6s4

Bon ben ya plus qu'à :) Pov tit recorder...

Cours 6e, séquence I: Musique, fonctions et circonstances
Quelles sont les caractéristiques d’une musique destinée àêtre jouée pour accompagner une marche?
Domaines : Temps et rythme, timbre et espace

Cours 6e, séquence II : Musique et arts du spectacle vivant
Comment adapter les textes de la mythologie grecque en musique ?
Domaines : Timbre et espace, successif et simultané

Cours 6e, séquence III : Musique et métissages
Comment un compositeur occidental peut-il donner à son oeuvre musicale une couleur qui évoque l’Asie? 
Domaines : Successif et simultané, forme.

Cours 6e, séquence  IV : Musique descriptive
Comment la dynamique peut-elle renforcer l'évocation, la description d'images par la musique?
Domaines: Dynamique, forme

Cours 6e, séquence V : 

Cours 5e, séquence I: Musique pure
Par quels moyens peut-on organiser une multitude de sons simultanés pour construire une oeuvre musicale ?
Domaines : Successif et simultané, Forme.

 
Cours 5e, séquence II: Musique, intention et mémoire
Comment restituer au mieux une oeuvre ancienne en l’absence d’indications précises?
Domaines : Temps et rythme, successif et simultané

Cours 5e, séquence III : Musique et métissages
Quelles sont les origines du Jazz manouche et comment a-t-il évolué ? 
Domaines : Temps et rythme, Timbre et espace.

Cours 5e, séquence IV: Musique, fonctions et circonstances
Comment un compositeur peut-il exprimer ses impressions de voyage?
Domaines : Dynamique, Forme.

Cours 4e, séquence I: Musique, interprétation et recréation
Comment personnaliser une variation sur un thème célèbre construit sur une structure stricte ?
Domaines : Successif et simultané, forme.

Cours 4e, séquence II :Musique et société contemporaine
La musique et la culture ont-elles le pouvoir de faire évoluer les droits civiques?
Domaines : Timbre et espace (dynamique), forme

Cours 4e, séquence III : Musique et arts du spectacle vivant
Les différences d’interprétation d’une oeuvre musicale peuvent-elles en changer la perception ou le sens ?
Domaines : Temps et Rythme, Successif et Simultané

Cours 4e, séquence IV : Musique et métissages
Comment une œuvre peut-elle évoquer la culture d’un pays : le Brésil ?
Domaines: Timbre et espace, Temps et rythme

Cours 3e, séquence I: Musique, fonctions et circonstances
La musique peut-elle délivrer un message?
Domaines : Temps et Rythme, Successif et Simultané.

Cours 3e, séquence II : Musique et arts du spectacle vivant
Les interactions entre arts de rue et arts de la scène ont-ils une incidence sur la musique qui les accompagne ?
Domaines : Timbre et espace, successif et simultané.

Cours 3e, séquence III : Musique, intention et mémoire
Comment exprimer musicalement l'inexprimable?
Domaines : Timbre et espace, Dynamique.

 

Cours 3e, séquence IV : Musique et Arts du langage
Par quels moyens la musique (et l'image) peuvent-elles mettre en valeur un texte engagé?
Domaines: Temps et Rythme, Forme.

Entre 28 et 31 élèves par classe cette année..Allez, on se motive et on reste serein...

Bonjour.
Bienvenue à tous.

Ici je partage mes séquences d'Education musicale, sans aucune prétention.
Pour les éléves : vous y trouverez des renseignements complémentaires au cours, et les documents qui pourraient vous manquer.
Pour les collègues : Si vous voulez expérimenter une ou des séquences, l'adapter à vos besoins ou ceux de vos élèves, vous pouvez emprunter librement les fiches mises à disposition.
Moi-même, cette année, je vais expérimenter des séquences trouvées sur le net qui m'ont beaucoup intéressée. 

L'atelier CHORALE  a ouvert ses portes le Lundi 17 Septembre 2012 à 17h en salle d'éducation musicale. Les séances durent une heure.
A l'attention des parents d'élèves : Pour que votre enfant y participe, il vous suffit d'inscrire dans son carnet de correspondance : "J'autorise mon enfant à participer à l'atelier chorale les Lundi et Mardide 17 à 18h" et de signer.
En effet en fonction de l'emploi du temps des participants, nous alternons les Lundi (semaines B) et les mardi (semaines A).

VOICI LES LIENS VERS LES SOMMAIRES DES SEQUENCES. CLIQUEZ SUR LES TITRES POUR LES OUVRIR.

SOMMAIRE DES COURS 2012-13 

SOMMAIRE DES COURS 2011-12

SOMMAIRE DES COURS 2010-11

SOMMAIRE DES COURS 2009-10

SOMMAIRE DES COURS 2008-09

SOMMAIRE DES COURS 2007-08

SOMMAIRE DES COURS 2006-07

LEXIQUE MUSICAL

INSTRUMENTS

INSTRUMENTS ANCIENS

INSTRUMENTS INSOLITES

Classement des séquences par questions transversales

Des fiches tutoriellesà l'attention des 3èmes à télécharger pour préparer vos dossiers d' Histoire des arts (empruntées au site académique d'Aix-Marseille) ici. Faire un clic droit - enregistrer sous - déposer dans mes documents.
Ma dernière contribution à la préparation de l'épreuve 2012, à la demande du principal, les élèves apprécieront je suppose.
Fiche_d_aide___la_pr_paration_de_l__preuve_HDA ; téléchargez, lisez, choisissez, remplissez, venez me voir, et bon courage à tous. Ne vous y prenez pas trop tard quand même...

Un conseil : Faites un tableau et inscrivez-y au fur et à mesure de l'année les oeuvres d'art étudiées, quelle que soit la matière, pour pouvoir en choisir cinq, dans trois domaines différents quinze jours avant l'épreuve. Par exemple : arts du visuel, arts, état et pouvoir, l'art et la mémoire..Une de ces six oeuvres sera choisie par le jury.

N'oubliez pas que vous pouvez également choisir un texte littéraire. Vous pouvez proposer une comparaison personnelle, pour autant il faut que vous sachiez que le jury choisira une de ces 5 oeuvres et qu'il faut donc préparer chacune de celles-ci.
Préparez un mini dossier avec votre plan pour l'oral et révisez pour ne pas avoir le nez dans votre feuille.
Servez-vous des outils proposés : le cahier de textes électronique et le blog, les documents distribués, la sitographie conseillée par les professeurs et constituez une pochette Histoire des arts comme cela a été demandé dès la pré-rentrée.

Le tutoriel Netvibes pour ceux qui voudraient s'entraîner en autonomie
en vue de l'ouverture d'un cahier numérique d'Histoire des arts.
Il est à votre disposition dans le cahier de textes Educ-Horus également.
Tutoriel_Netvibes_JC 

Lien vers le SITE D'EDUCATION MUSICALE DE L'ACADEMIE DE PARIS
auquel je contribue modestement.

L'adresse mail dédiée aux demandes et envois de devoirs à Madame Musique :

madamemusique.paris13@orange.fr

Dernier point en ce qui concerne les commentaires éventuels : 

Voici mon coup de coeur de l'année.

Le dernier titre : "About Farewell"

Alela Diane est une jeune artiste américaine née en 83 aux Etats-Unis. Elle s'est fait connaître en 2007 avec un album magnifique : "The Pirate's Gospel". Un bijou dans le plus pur style Folk qui m'a ramenée des années en arrière et redonné l'envie d'acquérir une guitare Folk et de chanter ce répertoire. En ce moment j'apprends celle-ci, qui me touche particulièrement : "The Rifle", une chanson mystérieuse et dénuée de tout artifice. 

Son style se caractérise par le minimalisme dans le texte d'abord. Quelques mots, quelques lignes fréquemment répétés comme si l'on se rappelait de quelque chose de très ancien, que le souvenir hésitait. La mélodie est cerné par de délicates vocalises, de fragiles voix en background qui nous font nous imaginer une communauté sur la plage autour d'un feu dans la très vieille amérique. La guitare égrenne quatre accords tout au plus, de frêles arpèges ciselés, parfois soulignés par d'autres instruments. Un son acoustique dont j'avais envie. 

Elle est venue à Paris ce Printemps partager ce dernier album : "About farewell". 
On peut visiter son site ici, et sa page MySpace.
Je vous conseille de vous plonger dans son univers, il y a de nombreuses videos de ses oeuvres sur YouTube.
Bonne écoute!

Vidéos variées

Agalloch : « You were but a ghost in my arms » Doom Metal

Agua de Anique  "Witnesses"    Rock/Pop/Alternative

Alela Diane : "About farewell", "The Rifle" Indie Folk

Amy Whinehouse "Love is a losing Game"  Blues, Soul

Android Lust  "Dragonfly" Electronic Industrial

Anne Clark"Our darkness"     Cold Wave

Anouk  "Mood Indigo" (cover)  Soul

Aphex Twin"Vordhosbn       Electro/Expérimentale

Apocalyptica feat. Nina Hagen"Seemann"  Metal Classique

Bauhaus"Bella Lugosi's dead"  Gothic Rock

Benjamin Zephaniah  "Touch"   Dub Poetry

Bjork"Wanderlust"  EletroPop, Pop underground, Pop experimentale  "Earth Intruders"

Cabaret Voltaire"Asher"    (video 4) Cold Wave

Camille"Ta douleur" , "Au port", "la jeune fille aux cheveux blancs"(Radioblog) chansons française

CNS&Y"Our house" (radioblog 2) Folk

Cocteau TwinsC :"Iceblink Luck"Pop RocK

Coph Nia"Our Lady of the Stars"  Ambient, Industrial

Covenant"Bullet"   Pop électronique

Cradle of filth"Peek-a-boo" (cover Christian Death)   Heavy Metal Symphonique

Daniel Balavoine  "Petit homme mort au combat"  Chanson française

Daft Punk"Around the world"  Techno

Dark Sanctuary: “Laissez-moi mourir” Gothique etherial

Das Ich"Kain und Abel"  Electro Goth industriel - Darkwave

Death in June  "Little Black Angel"  Neo Folk (ou dark Folk)

Depeche Mode: "Blasphemous rumors"  electro-pop

Devil Doll  "Dies Irae part VI"   Progressive Rock, theatrical, experimental

Diamanda galas "Defixiones"  Blues, avant-garde, experimental

Diana Krall"The girl in the other room"  Jazz

Die Form "Nature Destruction"  Dark Elektro EBM

Disiz la Peste"Jeunes de banlieue"   Rap

Echo & The Bunnymen"The Cutter"    Cold Wave

Einstürzende Neubauten Headcleaner"  Bruitiste/Expérimental/Industriel

Elend  "Worn out with dreams"   Neo Classique

Eloi (boîte vocale et publicité sous forme de poème)  Slam

Emilie Autumn "I want my innocence back" , "The Art of Suicide" , "Dead is the New Alive" ,  "I know where you sleep"    Industrialo-Gothique

Endraum"Appell An Die Muse"   Darkwave, Ambient, Gothique

Enya"May it be" (Lord of the Rings)   New Age/celtique

Eurythmics"Sweet dreams" New Wave/Blues

 Exit Ophelia: "Believe"   othique, Industrielle, électronique

Fall Out Boy   "I'm like a lawyer"  Rock

Faun  "Satyros"  Medieval Goth, Darkfolk

Fiona Apple"Shadowboxer"  Jazz

Flowing Tears"Merlin"  Gothic Metal

Gorillaz"Fell Good" 

Gotan Project mix Chet Baker:"Round midnight" (Th. Monk)   trip hop/ Acid Jazz

Grace Jones: Corporate cannibal  Soul

Imagination"Just an illusion"  Soul/Funk

Improvisators Dub  Roots Dub

Interpol  "Pioneer to the Falls"     Cold Wave

Jah Shakah    Roots Dub

Jeanne Cherhal  "L'eau" , "Voilà"  Chanson Française

Jeff Buckley"Corpus Christi Carol (for Roy) " d'après B. Britten  Pop

Jimi Hendrix"purple haze" avec une mini analyse  Heavy Metal

Jorane (Advertisement for Dalai Lama)

Joy Askew: "River"  Folk, Indie

Joy Division"Atmosphere"    Cold Wave

Juliette"maudite clochette" , "le congrès des chérubins"  Chanson Française

Kate Bush  "Under Ice"  Rock US

Kenny Arkana"Prière"     Rap

"Killing me softly" par Roberta Flack, et reprise par The Fugees (videos, lyrics, traduction et partition) Soul/New Jack

 The Kirlian Camera: "Eclipse", "In The Endless Rain", "The Ice Curtain", "Blue Room"   Electro Industrial

KoRn"Twisted Transistor"    Nu metal

Le Peuple de l'herbe      Dub

Lisa Gerrard et Hans Zimmer"Now we are" (B.O. Gladiator) Dark Ambient

Lisa Gerrard et Hyperborea “Space Weaver” gothic ambient

Lydia Lunch "Atomic Bongos"  Post Punk, No Wave

Madonna"American Life"  Rock/electro

Mad Professor"Kunta Kinte"    Dub Stepper

Marilyn Manson"GodeatGod"   Métal Indus

Massive Attack "Angel"  Trip Hop

Michael Jackson "Black or White" Funk, Moonwalk démonstration et cours.

Michaël et Janet Jackson"Scream"  (video 2 du post) Funk

Mickey 3D"Respire"     & "Yalil"    Rock

Moriarty: "Jimmy"  Indie, Folk, Rock

Nathalie Merchant: "Don't Talk"   Folk, Indie

Nick Cave"The Mercy Seat"  Rock/Post Punk

Nightwish"Once"  (video 4 du post) Metal Symphonique

NIN & David Bowie (live)  "Hurt"  Metal Indus

Norah Jones"Don't know why"   Latin Jazz

Pauline Croze: "Femme Fossile"& "M'en voulez-vous?"  chanson française

Portishead "Sour times"   Trip Hop

Qntal"Departir"  et "Dulcis Amor"   Medieval Gothique

Rammstein"Engel"   Metal Industriel

Rita Mitsouko "le Petit Train"  Rock

"Rosa Crux"Omnes qui Descendunt""    Gothique Médiéval

Scorn"Thumble"   Industrial/Illbient/Minimal Ambient

Seal"My vision" (radioblog) Soul

Shania Twain: "Ka-Ching"  Country, Pop

Sheila Chandra:  "Shanti, shanti, shanti", "Ever so lonely", "Lament of Mc Crimmon: song of the banshee", "Taal"

Sigur Ros "Untitled#1" , "Saeglopur" , "Vidrar vel til loftarasa"    Ambient, atmosphérique

Sopor Aeternus "No one is there"  et "Pluton-Hades" DarkWave Gothique

Suicide Inside"Angel"    Industrielle/Gothique/Electronique

Swans  "A screw (Holy Money"   Gothic Indus, No Wave, Noise Rock, Post Punk

Terence Trent d'Arby"Wishing well"   Funk

Terranova: feat Tricky "Bombing Bastards"  Hip Hop/Electro

The Cure: "Lullaby" (vidéo 4 du post)  New Wave ou Cold Wave

The Dresden Dolls"Coin Operated Boy" , "Sing" , "Girl Anachronism" Cabaret Punk

The Legendary Pink Dots "The Grain Kings"  Rock Psychédélique, Post Punl, expérimentale et industrielle

The Mercy Cage "Hymn 01"  Industrial Techno

The Orb"Blue Room"    Dub Ambient ou Abstract Dub

The Residents: "The act of being polite"  Expérimental

Tori Amos  "Raining Blood"  Rock

Trisomie 21"La fête triste"   Musique industrielle, Cold Wave

Rythm'n'sound  Dub minimaliste

Tuxedomoon: Live 2003-04 "Baron Brown" et "Desire"(extraits) cold wave/expérimentale

U2"Miss Sarajevo"  Rock

Vive la Fête"La Route", "Tokyo"& "Mr. le Président"  Electro-Pop

VNV Nation  "Illusion"  FuturePop (Techno-SynthPop)

Yello: "Vicious games"   Pop synth

Yendri: "Please dear machine" electro ambient

musique savante

Berio"Sinfonia" (video 3 du post)

Cage:"Sonates et interludes" n°I et XV pour piano préparé (video 1 du post) "Suite for toy piano" ( video 3 du post)

Couperin:"Leçons de Ténèbres n°3"

Couperin: Prélude non mesuré(video 3) pour le Clavecin

Crumb: "Little suite for Christmas" pour piano préparé

Duphly:"La Forqueray"(video 2) pièce pour clavecin

Fauré: "Requiem: Pie Jesù" (video 2 du post)

Ligeti:étude n°13 pour piano "l'escalier du diable" 

Documentaire: 4 vidéos

Messiaen: "Oiseaux exotiques" (2 vidéos)

Pergolese: "Stabat mater" (video 1 du post)

Poulenc:"concerto pour deux pianos" (part I & III)

Prokofiev: "Sonate op83 n°7" (part I,  II & III)

Purcell: "Aria" - Music for a while (video 6 du post)

Scarlatti: Fugue en Sol mineur (video 4) pour le clavecin

Scelsi:"Uaxuctum" (video I du post et autres extraits)

Schnittke: "Concerto grosso op119" (video II du post

Sweelinck:"Toccata n°15"  (video 1) pour clavecin)

Vivaldi: "Stabat mater"  (radioblog)

Xenakis: "Psappha" pour percussion et électronique (video 5 du post)

musiques d'ailleurs

Musiques Africaines

Les griots: Toumani Diabate, l'art de la Kora

Musiques Berbères et Kabyles  I

Idir"A vava Inouva",les Djurdjura, et une danse

Lokua Kanza & Faya Tess   "Bana" (Children)  Chanson pour les enfants-soldats

Cap Vert

Batida Funana"Pekena Serria Kida"  Funana

Batukaderas  "Ami Ku nhos"  Batuque

Cesaria Evora"Saudade"Musiques Cubaines 

Compay Segundo"Chan Chan" (video 4 du post)

Musiques Klezmer(Itzhak Perlman session avec divers groupes et "Klezmer celebration", 2 videos

NORVEGE Chaman

Mari Boine  "Vuoi Vuoi Mu" (video 1) "Gula Gula" (video 2)  "Eagle Talk"  (video 3) et "Joik" (video 4)

Jazz

Annette Peacock: "Just for the Kick"

Bobby Mc Ferrin"Swinging Bach"  & avec Al Jarreau"Spain"   Jazz vocal

Bohren & Der Club of Gore: "Grave Wisdom"   dark Jazz

Ketil Björnstad:"Pianology" Jazz

Meredith Monk "Walking songs"  contemporain, expérimental

"Stars of Tap" Bill Bailey (claquettes, Moonwalk) Swing

The Kilimandjaro Dark Jazz Ensemble: "Goya" (Live)  Dark Jazz

"Une petite histoire du Jazz" (documentaire)

A partir de l'oeuvre de MILES DAVIS intitulée "Tutu" en hommage à l'archevêque sudafricain Desmond Tutu, nous allons étudier la façon dont le jazz au XXème siècle, a rencontré ou côtoyé divers courants, mouvements ou styles musicaux et s'en est souvent emparé.
La question d'étude est : Comment les codes du Jazz ont-ils évoilué au cours du XXème siècle?
Nous verrons notamment les savants métissages opérés avec le Rock, le Funk ou le Rythm'n'Blues, sachant que le Jazz n'a jamais perdu son identité de musique afro-américaine et que les contextes dans lesquels il a évolué ne pourraient en aucun cas être ignorés. 
Après avoir étudié le Blues, je voudrais que mes élèves sortent de la représentation qu'ils ont du Jazz, qui a mille visages, ce qui le rapproche en quelque sorte de la musique savante.
Nos domaines d'investigation sont le Timbre et l'Espace (Plans sonores, timbres, techniques de jeu, d'enregistrement) et la Forme (structure, parties, thèmes, motifs, etc).

Projet musical : Siyahamba, un cantique Gospel sudafricain très célèbre. Nous pouvons l'interpréter aussi bien en langage zoulou qu'en anglais.
Le texte est on ne peut plus simple : il est composé de deux phrases musicales qui ont le même texte avec des répétitions de mots.
Siyahamba kukhanyen (ni) kwenkhos (traduction : nous marchons dans la lumière de Dieu, ou We are marching in the light of God).
Diverses interprétations peuvent être réalisées, en choeur à l'unisson, ou en polyphonie à 2 ou 3 voix, a capella ou accompagnée (piano, percussions).
Nous allons le chanter en polyphonie à 2 voix, et nous nous essaierons à l' improvisation (dans le style Call and Response) sur les notes en valeurs longues. Pour les plus avancés les élèves inventeront également l'accompagnement de percus et une mise en scène et en espace pour dynamiser le chant. 

Le texte et la partition élève : Fiche_eleve ; l'arrangement à 2 vx : Siyahamba_Afrique_du_Sud

Cette version donne un aperçu d'une mise en scène dynamique,il ne s'agit pas de la reproduire mais d'en saisir l'esprit.
Pour travailler les voix séparément je déposerai les deux voix séparées dans l'ENT (qui ne fonctionne pas pour le moment :(
Il me faudra les transposer. Voici les liens vers les deux voix : 
1ère voix ; 2e voix ; de plus, la percussion que nous devons mettre en place sous le chant peut être ainsi retravaillée à la maison. 

Miles Davis (trompettiste et compositeur américain - 1926-1991) est l'un des plus illustres représentants du Jazz. 
Le titre du morceau (Tutu) qui est aussi le titre de l'album) est un hommage à la cause des opposants au régime de l'apartheid en Afrique du Sud et àDesmond Tutu.
Voici les liens vers des sites pour l'aide au devoir proposé : Miles Davis;  Desmond Tutu ; Marcus Miller ; Le Funk; le Jazz-Funk.

A l'excepté de deux titres, tous les morceaux de l'album "Tutu" ont été composés et arrangés par le compositeur et bassiste américain de Jazz-Fusion (qui par ailleurs joue de plusieurs autres instruments sur l'album) Marcus Miller (né en 1959).
Un lien vers la définition du terme overdubbing
Tutu signifie également "cool" en yoruba. Miles Davis a été le roi du style Cool-Jazz et l'on peut donc aussi y lire une référence à cette période.

Dans cette oeuvre nous nous intéresserons d'abord :
-au rythme, au Groove procuré par les rythmes syncopés basés sur des déplacements d'accents temporels et les petites variations rythmiques qui leur sont apportées,
-au style Swing (passages du binaire au ternaire, phrasé particulier du jeu instrumental caractéristique du Jazz).
Nous nous efforcerons de connaître parfaitement chaque phrase, motif, thème de l'oeuvre afin de savoir les reproduire puis les retrouver même dans le désordre à l'écoute. 
-à la structure de la pièce (parties, phrases, thème, motifs secondaires, etc)
-à l'improvisation dans les solos de M.Davis, au travers de laquelle nous reverrons au passage la gamme pentatonique Blues avec sa "note bleue" (Blue note) caractéristique.
-les notions de plans sonores (mélodie, Solo, accompagnement) et d'ostinato (formule rythmique, mélodique ou les deux qui se répète sous une mélodie). 
Nous irons enfin en salle informatique faire des recherches sur les artistes par groupes de quatre élèves dans un premier temps, puis à l'issue de l'écoute, pour ouvrir un fichier que j'ai préparé avec le logiciel Acousmographe, dans lequel se trouvent des carrés de couleur correspondant à chaque élément musical qui constitue la pièce.
Il faudra alors remettre à leurs places respectives les différentes parties en écoutant le morceau, pour reconstruire l'ordre temporel de la pièce.
En bref, une sorte de puzzle ou de serious game, comme vous voulez.
On peut dire que dans la musique composée pour l'album, Marcus Miller fait de la musique mixte : en effet des instruments acoustiques côtoient des instruments électroniques. Pour les sons synthétisés, Miller a utilisé différents synthétiseurs, un Oberheim XPander et un PPG Wave 2.2 par exemple, une boîte à rythmes Linn9000, et les enregistrements de samples (échantillons) d'instruments pour l'accompagnement ou les lignes de basse. 
Les nouveaux instruments des années 80 permettent d'enregistrer toutes ces parties séparément et d'ajouter les parties ultérieurement. Cette artificialité n'empêche en aucun cas le son Live, les solos qui gardent leur totale liberté aux musiciens. Un lien vers les instruments électroniques.
Les compositeurs et musiciens à partir de cette invention vont pouvoir travailler chez eux, avec leur Home-Studio, il s'agit donc de démocratisation de la musique à un public très élargi, et c'est en cela que cet album s'inscrit dans la thématique "Musique et société contemporaine".

La fiche élève : Tutu_eleve_M_Davis

Les oeuvres comparatives : 

1) Deux extraits d'un enregistrement Live de Tutu en 1988 à Stuttgart pour comparer la version studio et la version sur scène avec d'autres musiciens (notamment un soliste qui joue de la flûte traversière). Il s'agit de nommer les ressemblances et différences entre ces deux version. Nous verrons aussi ici pourquoi Miles Davis adopte souvent cette posture de jeu orientée vers le sol et le type de sourdine utilisée pour sa trompette.

2) Long Come est un titre composé par Al Jarreau et George Benson en 2006 qui est extrait de l'album "Givin' it up".
Magnifique reprise dont nous verrons également les ressemblances et différences avec l'oeuvre principale de notre séquence. Armés des paroles, ils devront associer à celles-ci les diverses parties du titre original.
Sur Wikipedia vous trouverez des informations en français sur ces deux artistes : Al Jarreau et George Benson.

3) Say it loud, I'm black and I'm proud (1968) de James Brown (chanteur américain né en 1933, mort en 2006). James Brown est le Roi du Funk. Il s'agit d'analyser l'héritage du Funk dans l'album de Miles Davis mais aussi les différences au niveau du timbre et du feeling. Un lien vers la biographie détaillée en français.
Dans cette musique nous découvrirons le pouvoir du "One", premier temps de chaque mesure fortement accentué par la batterie et les syncopes des cuivres qui dialoguent constamment avec le chanteur.
Cette musique marque une rupture avec la Soul, autre style afro-américain.
La musique de James Brown est une musique efficace, qui contient peu de changements d'accords, dans laquelle on alterne souvent entre deux phrases, basée sur des répétitions incessantes de formules qui créent un effet à la fois électrisant et hypnotisant. C'est aussi une msuique engagée politiquement. L'interjection "Uh!" au début de chaque phrase est un salut distinctif de la communauté noire américaine. Ici cette chanson engage la communauté noire à assumer totalement et àêtre fière de son identité. 

4) Watermelon Man (1962), une représentation au Festival de Jazz de Montreux en 1991 dans laquelle on peut voir jouer Miles Davis aux côtés de Herbie Hancock (Pianiste et compositeur de Jazz-Fusion né en 1940).
Nous écouterons la pièce composée par Hancock dans l'enregistrement studio original et son interprétation dans le style Jazz-Funk par Mongo santamaria (Percussionniste et compositeur cubain,1922-2003). Ce dernier a également enregistré une version en 1979.
Nous découvrirons un instrument hybride, le Keytar (mélange de clavier et de guitare, clavier qui se porte à l'épaule, ce qui permet au soliste de se déplacer sur la scène). Une présentation en français de la biographie et de l'oeuvre de Herbie Hancock.

Version de 1962 (Album "Takin'off" de Herbie Hancock)

Le concert au festival de Montreux réunissant Herbie Hancock et Miles Davis en 1991.

La version de Mongo Santamaria en 1963 dans le style afro-cubain,

et une version Jazz-Funk beaucoup plus tonique enregistrée en 1979.

Tous ces exemples permettront de comparer l'utilisation du rythme, de l'instrumentation, de la voix propres à chaque style, et de comprendre la notion de standard (morceau connu de tous qui subit les diverses interprétations de ceux qui s'en emparent, qui est typique du style Jazz). Nous verrons également les modes de jeu inhérents à tous ces instruments, qu'ils soient produits par des effets électriques (flatterzunge, slap, flapping) ou électroniques (écho, reverb, etc).

Les documents élèves : Tutu_Eleve_comparaison1 ; Tutu_eleve_comparaisons_2
Les documents corrigés : Tutu_prof_comparaisons1 ; Tutu_prof_comparaisons_2

En Histoire des Arts, il peut être judicieux de s'interroger sur l'apport des nouvelles technologies, des nouveaux outils et instruments, et sur la révolution que cela entraîne dans le sens d'un accès plus facile pour les musiciens ou non-musiciens d'ailleurs qui n'ont pas les moyens d'enregistrement et de diffusion des grandes majors (par exemple voir les labels indépendants, mais aussi la diffusion par le biais des réseaux sociaux, sites (MySpace), blogs (SkyRock), plates-formes de streaming du style Youtube).

La fiche de synthèse de la séquence : synthese3s1

Dans cette séquence nous allons découvrir quelques éléments de vocabulaire technique spécifiques au cinéma et surtout au son destiné au cinéma. Nous verrons aussi ce qui nous permet de reconnaître une musique dédiée à cette catégorie artistique et qui, de fait, la différencie d'autres musiques, notamment dédiées au concert. Nous nous intéresserons à la bande son d'un extrait de film qui se proposerait de décrire une situation de danger extrême lors d'une poursuite, et vérifierons en quoi la musique peut suggérer, accompagner, ou être détournée de l'image, si elle est indispensable, indépendante et pourquoi.

Projet musical : L'Aventurier (1982) du groupe Indochine.(groupe de Rock-New Wave formé en 1981). La chanson évoque un héros de la littérature et de la bande dessinée qui date de 1953 : Bob Morane, créé par henri Vernes, auteur belge.
J'ai emprunté le texte et la partition de la chanson au blog Musiclik de mon amie Laurence.

L_aventurier_Indochine_partition
La video avec les paroles :

Et l'instrumental:

L'oeuvre principale : Un extrait de La Mort aux trousses (1959), film d'Alfred Hitchcock, réalisateur américain d'origine britannique né en 1899 et mort en 1980. La musique a été composée par Bernard Hermann (1911-1975), un compositeur américain avec lequel Hitchcock a longuement collaboré.
L'extrait de la bande son s'intitule "Wild Ride" (course folle), il se situe dans la première partie du film (acte I, scène 3).

Le personnage principal est Roger Thornhill, publicitaire, qui est victime d'une méprise. Des gangsters le prennent pour l'espion Kaplan. Ils le kidnappent et l’emmènent dans la maison de leur chef Vandamm, qui se fait passer pour un fonctionnaire des Nations Unies. Ils forcent Thornhill à boire puis le font monter dans une voiture dans le but de le tuer en simulant un accident. Celui-ci arrive à se débarrasser de son passager et parvient àéviter miraculeusement les divers obstacles qui se présentent sur son chemin. A la fin de cette scène, il est pris en chasse par la police qui l'arrête.

Dans cet extrait nous étudierons les deux thèmes musicaux qui représentent le personnage réel et son double, leur différenciation par le rythme caractéristique qui leur est associé, les moyens musicaux mis en oeuvre par Hermann pour à la fois faire monter la tension et le contraste qu'ils opposent parfois à l'image et au jeu de l'acteur.

Voici l'extrait proposé:

Les documents corrigé : Oeuvre_principale_prof_1; 
Oeuvre principale fiche prof 2 :

Oeuvre_principale_prof_3 ; 
Les documents élèves : Oeuvre_principale_eleve1; 
Oeuvre principale fiche élève 2 (dans cette fiche les élèves doivent retrouver seuls les thèmes repérés et annoter le storyboard) : 

Oeuvre_principale_eleve_3 ; cette dernière contient le vocabulaire à connaître et une synthèse à rédiger.

Oeuvre comparative n°1 : Le Seigneur des Anneaux (1er film de la trilogie : La Communauté de l'Anneau). Le film date de 2001, il a été réalisé par Pete Jackson, réalisateur néo-zélandais né en 1961, la musique a été composée par le compositeur canadien, Howard Shore, né en 1946.
L'extrait à comparer s'intitule "Flight to the Ford". Il se situe dans la première partie du film. Après un combat, Frodon, l'un des hobbits, personnages principaux, a été gravement empoisonné par une arme. Les membres de la communauté sont désespérés. Il doit survivre, il est le porteur de l'anneau qu'il faut détruire. Soudain apparaît Arwen, une elfe, qui va essayer de le sauver. Elle l'emporte sur son cheval dans une course folle, poursuivie par els cavaliers noirs et les nazguls, personnages hideux de l'armée de Sauron. Arrivera-t-elle à rejoindre Rivendell, le fief des elfes et à sauver Frodon? 
Ce travail de comparaison sera réalisé en autonomie en petits groupes.

L'extrait proposé :

Oeuvre comparative n°2 : Le poème symphonique"Mazeppa" (1851) de Franz Liszt, compositeur hongrois de la période romantique (1811-1886). Cette oeuvre symphonique est inspirée du poème "Les Orientales" de Victor Hugo qui s'est lui-même inspiré d'une légende slave dont voici l'argument : "A la suite d’une amourette avec l’épouse de son maître, un jeune guerrier polonais est attachéà un cheval qui, dans un galop fantastique, et dans une longue chevauchée, le mène en Ukraine. Il est alors sauvé de la mort par des paysans cosaques qui en font leur chef". Dans cette oeuvre la musique est chargée d’illustrer le texte. C'est ce que l'on appelle "La musique à programme" (les personnes qui assistent au concert ont le texte sous les yeux). C’est en quelque sorte une préfiguration de la musique de film.

L'extrait proposé :

Dans ces deux extraits nous comparerons en ce qui concerne Le Seigneur des Anneaux le type de plans qui composent l'extrait, Le rapport musique / images. Pour les deux extraits, il s'agit de retrouver des constantes et des différences musicales dans la description, la figuration des personnages, de leurs émotions, de l'action, du suspense, de ce que les auteurs cherchent à provoquer chez le spectateur qui est aussi auditeur, ou l'auditeur qui se représente une scène. Quels sont les paramètres les plus propices à utiliser pour éveiller les sensations ? Qu'est-ce qui différencie la musique de Liszt de celle de hermann ou de Shore ? Ces styles sont-ils compatibles ? etc.

Les documents : Fiche_eleve_comparaisons ; : Je ne posterai le corrigé qu'à l'issue du travail.
Le vocabulaire à utiliser, les consignes, l'auto-évaluation sont contenues dans cette fiche.

J'ai préparé deux séances en salle info à la fin de cette séquence, pour utiliser le logiciel TrakAxPC qui est un logiciel gratuit de montage audio-video.
L'idée m'a été apportée par une séquence TraAM du site d'Education musicale dans l'académie de Lille. Je vais donc essayer de faire faire à mes élèves un petit montage audio-video en choisissant des extraits audio et video pour créer quelque chose d'insolite.
Souhaitez-moi bonne chance, c'est la première fois que j'utilise ce logiciel. Je posterai très bientôt le tutoriel pour les élèves.

La fiche de synthèse de la séquence :  synthese4s1

La séquence est une reprise légèrement modifiée dont la question d’étude était :
L’évolution architecturale peut-elle avoir une incidence sur la musique?
Les domaines sont ceux du Successif et du Simultané, du Timbre et de l’Espace.
J’ai conservé les mêmes œuvres mais changé la présentation des documents et le chant.
Il s’agit d’un chant polyphonique africain du Togo intituléZomina.
Il est basé sur un dialogue soliste-chœur (chant responsorial).
Dans mon arrangement j'ai ajouté un passage en bourdon et une voix secondaire ici et là.
Je voudrais que l'interprétation soit spatialisée, on va voir ce que cela donne avec 30 élèves par classe...pour l'instant. Hum.

Zomina_fiche_eleves; zomina_partition_arrangement d'après cette interprétation.

et un instrumental avec les paroles pour vous entraîner à la maison

Voici le lien vers la séquence initiale (c’était une séquence pour les TraAM de l’année scolaire 2011-12)

Le contrôle se présentera sous cette forme
Evaluation_eleve_Perotin; je posterai le corrigé lorsque la séquence sera terminée.
La fiche d'auto-évaluation
auto_evaluation_5e_seq_I
La fiche de synthèse de la séquence : 
synthese_5s1
le tutorial pour une expérimentation des domaines à travers le logiciel HighC
Tutorial_High_C_eleve

La séquence est une reprise légèrement modifiée de celle-ci.
(C’était une séquence pour les TraAM de l’année scolaire 2011-12).

La question d’étude a été tranformée : 
La musique peut-elle traiter avec humour du symbole de la mort ? 
Les domaines abordés :  Le Temps et le Rythme, la Forme.
J’ai conservé les œuvres mais changé la présentation des documents.
Malheureusement nous n’aurons pas la possibilité de voir le merveilleux spectacle de Bartabas intitulé«Calacas» cette année, mais nous en visionnerons un petit bout en classe ainsi qu'une prestation des Chinchineros, ces percussionnistes de rue chiliens qui avaient été intégrés en tant que musiciens du spectacle, histoire de nous mettre dans l'ambiance.  

Les documents :
La fiche sur l'oeuvre principale : 
fiche_prof_1_audition; fiche_eleve_1_audition ; 
Les fiches d'oeuvres comparatives : fiche_prof_2_comparaisons ; fiche__l_ve_2_comparaisons ; 
Fiche_prof_3_comparaisons ; Fiche_eleve__3_comparaisons ;
La synthèse de la séquence : synth_se_6s1
La fiche d'auto-évaluation : Auto_evaluation
Un ajout pour l' HDA :
Une petite analyse du tableau
"La mort et les masques" de James ENSOR

Cours 6èmes, , séquence I: Musique, Symboles, Spiritualités
Reprise avec modifications de cette séquence de 2011
La musique peut-elle traiter avec humour du symbole de la mort ?
Domaines : Temps et Rythme, Forme

Cours 5èmes, séquence I :Musique, Fonctions et Circonstances
Reprise avec modifications de cette séquence de 2011
L’évolution architecturale peut-elle avoir une incidence sur la musique?
Domaines : Successif et Simultané, Timbre et Espace
TICCE : Logiciel High C

Cours 4èmes, séquence I : Musique et Arts du Visuel
Qu’est-ce qui différencie une musique de cinéma d’une autre musique ?
Domaines : Temps et Rythme, Successif et Simultané
TICCE : Logiciel TrakAxPC

Cours 3èmes, séquence I: Musique et société contemporaine
Comment les codes du Jazz ont-ils évolué au XXe siècle?
Domaines : Timbre et Espace, Forme
TICCE : Logiciel Acousmographe

Cette séquence de 3ème s’articule autour du cinéma du 20ème siècle représentant l’oppression du monde du travail sur l’Homme, et les rapports entre l'Homme et la machine, en lien avec le pouvoir.
Notre problématique est la suivante : Comment la musique et l’image s’associent-elles pour décrire les rapports entre l’homme et la machine au XXe siècle?
Nous étudierons cela dans les domaines du Temps et du Rythme, et du Successif et du simultané.

Projet musical 
Il s’agit de créer une pièce musicale sur le mode de la voix parlée, ou plutôt scandée, d’enregistrer cette pièce et de l’ouvrir dans le logiciel Audacity, enfin de lui trouver un accompagnement en ostinato dans le style « industriel »à l’aide d’un réservoir de bruits d’usine, que nous organiserons en boucles.
Nous partirons de deux exemples : L’usine, un titre Rap-Rock du groupe français La Canaille fondé en 2006, issu de l’album
« Une goutte de miel dans un litre de plomb » sorti en 2003.
C’est une chanson réaliste et engagée sur la journée de travail d’un ouvrier, qui fait référence aux gestes mécaniques réalisés tout au long de la semaine. Le refrain est constitué d’une succession de verbes issus du champ lexical du travail (couper, séparer, jeter…) ponctué par les sentiments intérieurs de l’ouvrier.

Voici le clip officiel de la chanson.

Le texte de la chanson :  La_Canaille___L_usine

Un autre exemple de l’autre côté de l’Atlantique : « Life in the factory » de Rick sacks (percussionniste, compositeur et sound-designer américain néà New York en 1952).
Cette pièce a été composée en 1970 mais le dispositif utilisé pour que les percussions sur lesquelles il frappe a été construit ultérieurement.
Dans cette captation video d'une performance à Montreal, au Canada, on peut voir qu’il s’agit ici d’un compromis entre la poésie sonore et le théâtre musical.

Ces deux exemples devraient inspirer votre imagination. Il est d’ailleurs tout à fait possible de transposer le champ lexical du travail à celui de votre quotidien en général, qu’il s’agisse de corvées, de manque de liberté d’action, ou de votre quotidien au collège.
Le tutorial pour les consignes de création et l'utilisation d'Audacity : Projet_musical_consignes

L’oeuvre principale est le film muet Metropolis, tourné en 1927 par le réalisateur autrichien Fritz Lang , né en 1880 et mort en 1976.
La musique de ce film a été composée par Gottfried Huppertz (compositeur et chanteur allemand né en 1887 et mort en 1937).
C’est un film du courant expressionniste (ce style se traduit par les forts contrastes noir / blanc, les formes dures des décors, l’exagération des contrastes dans les expressions des sentiments des personnages, et des ambiances inquiétantes et mystérieuses).
On peut classer ce film dans le genre de la science-fiction (œuvre d’imagination d’un futur hypothétique).
Dans le film, en ce qui concerne notre approche, tout concorde à donner l’ambiance d’une société totalitaire, dans laquelle les riches (vêtus de blanc) vivent sur les hauteurs et les pauvres (vêtus de noir) dans les bas-fonds.
Certains analystes y ont vu un univers préfigurant la barbarie nazie, décrivant un univers concentrationnaire, des ouvriers qui avancent péniblement en formation comme dans les futures marches de la mort des déportés, mais aussi une critique du taylorisme, le travail à la chaîne où l’humain devient un outil pris dans une cadence infernale, qui doit être le plus performant possible sous peine d’être éliminé du monde du travail.

Pour en savoir plus sur le Taylorisme, et le Fordisme (Taylor et Ford).

Les techniques les plus récentes ont été utilisées pour tourner le film (prises de vue avec miroirs, images en trompe-l’œil, méthode des surimpressions, procédés d’animation, ainsi que l’utilisation de caméras dernier cri les plus performantes). 

Un dossier complet sur le film (site de la cinémathèque de Toulouse).

Nous allons visionner 3 courts extraits du film :
1° -le générique
2°-la scène de la relève des ouvriers 
3°-la scène de l’accident provoqué par un ouvrier sur le lieu de travail, sous les yeux effarés du jeune homme riche, dans l’extrait «Moloch»
(nom qui désigne la machine, sorte de monstre qui avale les ouvriers).

Le générique et La relève des ouvriers:

Analyse de cette scène (fichier emprunté sur l'Internet) : cormet

La machine, désignée sous le nom de Moloch :

Une fiche d'analyse de cette scène (empruntée à Th.Baudon, professeur au collège Irène et Frédéric Joliot-Curie, Pantin)

Nous comparerons chaque extrait avec un extrait de deux autres films :

1°Les Temps Modernes (1936) comédie dramatique (film muet) réalisée par Charlie Chaplin, réalisateur britannique né en 1889, mort en 1977, qui dresse un portrait peu flatteur de la société industrielle. Chaplin réalise à la fois une satire du travail à la chaîne et un réquisitoire contre le chômage et les conditions de vie d'une grande partie de la population occidentale lors de la Grande dépression. Il y conserve toutefois certaines caractéristiques du personnage de Charlot dans son jeu d’acteur.

Le générique et l’arrivée des ouvriers à l’usine :

On peut d’ailleurs comparer cette scène au film “Sortie de l’usine Lumière à Lyon” des Frères Lumière, film de 45 secondes tourné en 1895
et considéré comme le premier film au cinéma.

Le travail à la chaîne de montage :

2° Une scène de Dancer in the Dark (2002), film parlant de Lars von Trier, réalisateur danois né en 1956, fondateur du mouvement Dogme95.
(tournage caméra à l’épaule, nombre considérable de caméras dans l’espace qui permettent de visionner une scène sous différents angles et de conserver la meilleure prise, et hyper-réalité de mise sans aucun effet spécial).

L’extrait : Cvalda Song interprété par la chanteuse islandaise Björk, principale interprète du film, à laquelle l’actrice catherine Deneuve donne la réplique. Scène de comédie musicale où l’ouvrière part du bruit des machines qu’elle imite vocalement par des mots et onomatopées, ce qui donne lieu à une chanson et à une chorégraphie des travailleurs.

 Les détails de nos analyses et comparaisons sont dans les fiches ci-dessous.

Documents du professeur : 
Fiche de présentation du film : 

Prof_1_analyse_comparaison_generiques ; Prof_2_representation_ouvriers_et_comparaisons ; 
prof_3_ouvriers_au_travail_comparaisons ; Prof_4_ouvriers_au_travail_comparaisons_2

Documents de l'élève :
Eleve_1_generiques_comparaison ; Eleve_2_representation_ouvriers_et_comparaisons ; 
Eleve_3_ouvriers_au_travail_comparaisons ; Eleve_4_ouvriers_au_travail_comparaisons_2 ; 

Le vocabulaire du cinéma : Vocabulaire_du_cinema

La fiche de synthèse de la séquence :synthese3s2

HISTOIRE DES ARTS
Arts, techniques, expressions : L’œuvre d’art et l’influence des techniques.
En savoir plus sur l’expressionnisme (avant-guerre)
Lien 1 ; Lien 2 ; 
Jackson Pollock et l’expressionnisme abstrait (après-guerre).

Représentation du monde du travail dans l'art.
Blog :  XIXème et XXème siècles.
Une page contenant un dossier sur la représentation du travail dans l’art de la photographie depuis le début du XXème siècle.
Un ensemble de photographies de Lewis Hines, photographe américain né en 1874, mort en 1840, qui a beaucoup travaillé sur l’univers du travail, de l’usine, et notamment du travail des enfants en posant un regard critique sur le sujet. La série "Men at Work" (Hommes au travail) ici ou là. 

Dans cette séquence nous aborderons la question transversale de l’interprétation et de la recréation d'une oeuvre musicale.
Notre problématique est : Comment créer de nouvelles oeuvres à partir d’une mélodie célèbre ?
Nos domaines d’investigation seront :
1° : Le Timbre et l’Espace (Notions de Registres, de timbres des instruments en fonction des styles, de formations instrumentales, de Plan sonore, de Virtuosité, d’effets) 
2° : Le Successif et le Simultané (Notions d’Ornements - trilles, appogiatures, grupettos, arpeggios, mélismes- de thème, de transposition, de modes, de formules d’accompagnement (arpèges, accords), de Pont, de Coda, et de Cadence, de Solo, de dialogue, et de contrechant).

Projet musical : Hijo de la Luna (du groupe Mecano, groupe espagnol créé en 1981 et séparé en 1992).
La chanson a été composée en 1986 par José Maria Cano et interprétée par Ana Torroja sur l’album Entre el cielo y el suelo.

Nous chanterons la chanson en Français, mais vous la chanterez normalement aussi en espagnol avec votre professeur, cette séquence (et la chanson) étant une commande de sa part.
Notre projet est d’interpréter cette chanson avec un accompagnement au piano, ou avec play-back.
Par la suite vous devrez recréer votre propre interprétation avec les instruments de votre choix et une répartition libre des parties de la chanson entre les membres de votre groupe.
Les 5 ou 6 membres de chaque groupe seront évalués par les autres groupes de la classe suivant un barême que nous définirons ensemble.

Le clip officiel :

L’instrumental :

La version espagnole de la chanson :

La fiche élève empruntée à ma collègue du blog musiclik : hijo_de_la_luna_eleve ;
la partition avec piano : Partition_piano_de_Hijo_de_la_luna
la chanson en espagnol : Hijo_de_la_Luna_en_espagnol_Mecano 

Oeuvre principale : Le 2ème mouvement du Concerto pour guitare dit « d’Aranjuez » en Ré majeur(1939) de Joaquin Rodrigo, compositeur espagnol de la période Moderne (1901-1999).

Un Concerto est une œuvre instrumentale dans laquelle un soliste dialogue avec un orchestre. Il se divise en 3 parties (mouvements). Dans sa forme Classique deux mouvements vifs encadrent un mouvement lent (I. Vif- II. Lent – III. Vif).
Cette pièce qui est devenue un tube de la musique savante a été composée en référence à la fois des compositeurs espagnols de la période baroque et de la musique populaire la plus célèbre en Espagne, c’est-à-dire le Flamenco.
Une recherche personnelle vous sera demandée pour trouver des interprétations ou emprunts de cette œuvre dans d’autres domaines artistiques (publicité, film, chansons, etc) pour lesquels vous réaliserez une fiche de présentation.

L'Interprétation de Narcisso Yepes, guitariste espagnol (1927-1997).

Cette interprétation est effectuée par le guitariste sur une guitare-luth (ou guitare à 10 cordes).

La version de Paco de Lucia, célèbre guitariste de Flamenco né en 1947 est un peu plus axée sur le rythme et plus libre dans ses cadences.
La video, très bien réalisée, permet de bien distinguer les plans sonores dans cette œuvre.

Une comparaison que nous verrons en classe est l’emprunt à cette pièce musicale dans le fim Les Virtuoses (en anglais Brassed off), réalisé en 1996 par Mark Herman, réalisateur britannique né en 1954.
Nous verrons dans une scène du film comment une musique, utilisée dans un contexte différent, peut illustrer le propos d'une scène de film et lui donner une intensité particulière en rapport avec la narration et les images.

Les documents : Concerto_d_Aranjuez_Rodrigo_prof ; Concerto_d_Aranjuez_Rodrigo_eleve
comparaison_Les_virtuoses_Herman ; comparaison_Les_virtuoses_Herman_eleves

La 2ème oeuvre : l’opéra Carmen composé d’après une nouvelle de Prosper Mérimée du même nom en 1875 par Georges Bizet, compositeur français de la même période né en 1838 et mort en 1875.

Un Opéra est une pièce de théâtre mise en musique. Il comporte des décors, de la musique, des textes, parfois de la danse. Il commence toujours par une ouverture. Celle-ci permet de donner l’ambiance de l’oeuvre et de faire entendre les différents thèmes musicaux.
Un Opéra est découpé en actes qui sont eux-mêmes divisés en scènes, tout comme au théâtre.
Après l’ouverture, l’action est renforcée par la musique en alternant :
- Des airs (Arias) : destinés à un ou une chanteuse, afin de mettre en valeur ses capacités vocales.
- Des récitatifs : qui permettent de faire avancer l’histoire. Cela constitue plutôt en un texte déclamé.
- Des choeurs ou des ensembles vocaux tels que les duos, trios, quatuors, etc.

J’ai choisi l’extrait Près des remparts de Séville(Acte I, n°10). Cette Aria est chantée par le personnage principal, Carmen, après son arrestation pour une bagarre avec une manufacturière à l’usine de tabac.
Don Jose, le soldat désigné pour la surveiller, va avoir du mal à garder son sang-froid face au numéro de charme qu'elle lui prépare.
Il s’agit d’un Duocomposé sur une Séguedille, danse folklorique andalouse. La Séguédille ou Séquidille (de l’espagnol Seguidilla) est une danse espagnole d'origine andalouse apparue au XVIIe siècle. Elle se danse encore de nos jours, surtout en Andalousie. Les pas de cette danse sont très variés. Ils empruntent notamment ceux du fandango de la jota aragonaise et principalement celle où les danseurs cambrent majestueusement le corps et les bras, en se rapprochant et s'écartant alternativement. Il arrive que les bailadores frappent soudainement le talon très bruyamment comme une percussion complémentaire au claquement des castagnettes (zapateado).

Les références à la musique andalouse sont nombreuses :
- La gamme andalouse (mode de mi : mi-fa-sol-la-si-do-ré-mi)
- Les mélismes (ornements des lignes mélodiques).
- L’accompagnement léger (en pizzicato) des violoncelles qui évoque le son de la guitare.

L'Interprétation d’Elina Garanca et Roberto Alagna sous la direction de Yannick Néguet-Seguin en 2010 au Metropolitan Opera de New York.

Extrait du film Carmen tourné en 1984 par Francesco Rosi (cinéaste italien né en 1922) , interprétation : Julia Migenes-Johnson et Placido Domingo sous la direction de Lorin Maazel.

Un extrait du film Carmen tourné en 1983 par Carlos Saura (cinéaste espagnol née en 1932) où nous retrouvons parmi les acteurs Paco de Lucia.
Le chorégraphe écoute l’extrait du Carmen de Bizet que nous avons écouté et le guitariste flamencan s’empresse d’en reprendre les notes à l'oreille avec d’autres guitaristes pour l’accompagner, et d’improviser un solo dynamique, réalisant un métissage savant avec sa propre musique qui servira de base à un tableau du ballet qui se répète.

Les documents : Carmen_Bizet_prof ; Carmen_Bizet_eleve
Carmen_Bizet_comparaisons_prof ; Carmen_Bizet_comparaisons_eleve

 Histoire des arts

Arts, créations, culture.
Arts, espace, temps.
Arts, ruptures, continuités.

L’Espagne et son folklore, l'histoire de Carmen ainsi que la tauromachie ont inspiré de nombreuses oeuvres au peintre
Pablo Picasso  (peintre espagnol 1881-1973).

Femme à la mantille (1949) Dessin au lavis

Un lien autour de la peinture et du Flamenco

 Un lien vers une video sur le site de l’INA : Picasso et la Tauromachie

La fiche d'auto-évaluation : auto_evaluation_4e_seq_II
La fiche de synthèse de la séquence : synthese4s2